Le Blog de la Loge d'Aymeric

Théâtre des Sablons

15 Mai 2013

Isabelle Ciaravola, Karl Paquette, Laura Bachmann, Héloïse Bourdon, Yannick Bittencourt, Fabien Révillion, Yvon Demol, Sae Eun Park

C'était le premier gala de ce type où je me rendais. La formule est étonnante: quelques danseurs viennent danser des pas de deux du répertoire dans des théâtres moins prestigieux que Garnier ou Bastille. Un pas de deux reste pourtant pour moi l'aboutissement d'un ballet, de plusieurs actes qui se sont enchainés. Un pas de deux sans le reste du ballet reste une expérience douteuse. Et la succession d'extraits aussi classiques que Le Corsaire ou La Belle rend parfois l'exercice un peu longuet.

Néanmoins le principal point fort de ce type de soirée et qu'il nous permet d'apprécier les prestations de danseurs du corps de ballet dans des rôles de soliste. Les couples m'ont paru ici très bien choisi, notamment par rapport au titre de ce gala. 

Commençons par le couple d'étoiles d'aujourd'hui: Karl Paquette et Isabelle Ciaravola. C'est lui qui est l'organisateur de cette petite soirée, elle, c'est une de mes étoiles préférées. Leur premier morceau est extrait de la 3eme de Mahler, qu'ils ont récemment dansé à Bastille et que j'avais pu voir ici. Un petit rappel de cette superbe soirée mélangeant les corps et les positions néo classiques. C'est pour cette pièce que la musique enregistrée a été la pire, du Mahler en bande son, il y a mieux.

Ils clôtureront la soirée avec le pas de l'Abandon du Parc de Preljocaj, ouvrant alors sur la saison prochaine de l'Opéra. Seul pas non classique, il semble amuser quelques enfants neuillisiens de l'assemblée, non habitués à l'absence de pointes sur une danseuse, ou de collants sur des danseurs. Mais ces petits ricanements cessent bien vite. Comme le dit Danses avec la plume, "le parc, c'est diablement efficace." Et oui, que c'est beau. De tous les extraits présentés, c'est celui qui m'attire le plus dans l'ambiance du ballet en entier. La musique de Mozart lance les danseurs dans leurs gestes, arrivant à ce climax qu'est le baiser du Parc, [oui c'est celui de la pub Air France, d'accord] qui réussit à déclencher en si peu de temps bien des sentiments.

Une fois ces étoiles passées, que reste t-il chez les autres ? C’est la diversité entre sentiments forts, technique et classicisme.

Le Corsaire ouvre avec un pas de deux des plus classiques qui laisse découvrir les talents solides du couple Bittencourt/Park, mais l’adage ne semble pas tout à fait solide. Les variations s’enchainent pour arriver à une coda plus correcte. La danseuse coréenne est décidément impressionnante techniquement et Bittencourt réussit une prestation correcte. Mais les deux danseurs semblent bien plus à l’aise dans le superbe pas de deux du balcon de Roméo et Juliette. La musique à elle seule permet de se rappeler de toute l’histoire, on est tout de suite plongé dans l’univers amoureux. Un pas de deux qui ne soit pas découpé mécaniquement en quatre parties semble plus naturel dans ce genre de soirée.

Bourdon et Révillion, jeunes lauréats 2011 du prix AROP, sont décidément les jeunes danseurs assurés à qui l’avenir (et les distributions) sourit. La Sylphide nous dévoile leurs qualités de danseurs bien français, avec un travail du haut du corps remarquable. La variation de James est particulièrement notable. En face, leur Esmeralda m’a donné finalement une bonne image de ce pas, que j’avais trouvé bien ennuyant au TCE l’année dernière. Bourdon réussit ce qui n’est pas toujours facile, la danse avec un tambourin ! Et finalement puisque je ne la vois pas dans l’intégralité du ballet, je ne parle pas de la vraisemblance de son rôle de bohémienne.

Le couple des jeunes pousses Demol et Bachmann (que je pense n’avoir jamais vue) prouve de nouveau que l’Opéra recèle de nombreux talents dans son corps de ballet. Carnaval à Venise est un pas qui bien que très classique nous montre des aspects d’humour, un peu dans l’esprit des Millions d’Arlequin. Ils continuent à faire leur preuve dans le pas de la Belle qui laisse prévoir de bien belles choses pour les Fêtes de l'année prochaine.

 C’est finalement une démonstration du talent des danseurs du ballet et de la méthode d’apprentissage. Pour pouvoir réussir des pas de deux modernes comme Neumeier ou Preljocaj, il faut avoir fait ses preuves dans le classique de Petipa et Bournonville. Démonstration donc réussie ! 

Théâtre Bolshoi

7 mai 2013

Modest Mussorgsky

Direction musicale: Vassily Sinaisky; Mise en scène: Leonid Baratov

Boris Godunov: Vladimir Matorin; Kseniya: Nina Minasyan; Fyodor: Elena Novak; Shuisky: Maxim Paster; Pimen: Alexander Naumenko; Le Prétendant: Roman Muravitsky; Marina Mnishek: Irina Dolzhenko; Varlaam: Valeriy Gilmanov; Missail: Yuri Markelov; Tenancière: Alexandra Durseneva; Le Simplet: Marat Gali

Alors que je passe ma journée à m'extasier devant les églises du Kremlin, je me rends le soir au Bolchoï pour voir Godounov. Pouvoir apprécier ce pur opéra russe dans le plus grand et prestigieux théâtre du pays, c'est un luxe inouï. L'ensemble de la compagnie est habitué et habité par les rôles de cette production de 1948.

En effet depuis plus de cinquante ans le Bolchoï joue la même version de l'oeuvre, ce qui parait inimaginable dans un théâtre européen! Et pourtant, en donnant une version très littérale de l'œuvre qui suit les canons du grand opéra russe, on ne s'ennuie pas un seul instant. À l'inverse de Kovantschina vue ici à Bastille, il n'y a pas de désir d'interpréter la mise en scène: la production a lu le texte et s'est simplement demandée ce à quoi cela ressemblait à l'époque. J'ai bel et bien vu devant moi l'histoire russe défiler un instant, et non pas celle européenne depuis Pierre le Grand, mais bien celle quasi mythique des boyards et des patriarches dans les couleurs de la Moscovie médiévale.

Boris a tué le Tsarevitch Dimitri, fils d'Ivan le Terrible, et s'est fait élire Tsar par les boyards. Un jeune moine décide de se faire passer pour le défunt héritier, menant alors une rébellion contre l'usurpateur avec l'aide des Polonais catholiques. La famine s'étend sur le pays et Boris ne cesse de rêver que le prince n'était pas mort. Il finit par mourir de sa folie.

Tel Macbeth, Boris réussit à obtenir ce qu'il désirait: le pouvoir qu'il pourra ensuite transmettre à sa descendance. Il pense pouvoir, comme tous les fondateurs de dynastie, réussir à paraitre comme le roi mythique, bon et généreux envers son peuple, et que l'on oubliera son moyen d'obtenir le pouvoir. Mais il sera torturé par ses démons intérieurs, voyant le tsarevitch partout. Sa mission finira par se ralentir rapidement, n'ayant jamais réellement fonctionné. Il s'était mis chez les moines par choix au début de l'intrigue pour se faire appeler tsar, il tente d'y retourner par obligation avant de mourir pour reposer sa conscience, mais n'aura pas le temps de faire pénitence.

L'histoire ici divisée en tableaux bien distincts utilisant chacun des scénographies différentes est bien facile à suivre. Il y a moins d'intrigues et de personnages que dans Kovantschina. Si les scènes mettent parfois longtemps à se mettre en place (trois entractes plus dix minutes de pause entre chaque scène), cela permet de faire un point sur l'intrigue et l'évolution de chacun.

La mise en scène parait étonnamment fraîche et propre même après tant d'années. Les somptueux décors inspirés du Kremlin ou de paysages campagnards ainsi que la richesse des costumes brillants et raffinés (et le cheval présent sur scène) contribuent décidément à me baigner dans le folklore russe.

Dans son désir de contribuer à la formalisation de la culture russe, Mussorgsky réussit d'ailleurs à glisser ça et là des chansons plus traditionnelles, sans doute inspirées de la pièce originelle de Poushkine, spécialiste des contes. Ainsi les chansons de la tenancière de l'auberge, du moine ivre dans l'auberge, de la nourrice ou même la lamentation de la fille de Boris semblent provenir de sources extérieures et non européennes. De la même façon, le récit final du moine Pimen semble une anecdote que l'on pourrait retrouver dans des contes russes. Le personnage du mendiant simplet à lui seul symbolise également un pan de la culture russe, entre respect et moquerie des ermites.

Dans la musique d'ailleurs subsiste cette différence entre la musique symphonique plus classique et celle qui rappelle le sacré des grands choeurs russes ou alors le folklorique des villageois. Dès le début, comme une sorte d'introduction, nous sommes directement plongés dans les grands choeurs majestueux de lamentation qui demandent à Boris d'accepter la couronne. Comme dans certaines pièces antiques, peu d'actions se passent réellement sur scène, tout nous est raconté, accentué par la superbe musique dirigée par Sinaisky, que les Moscovites ont trop tendance à oublier lorsque le rideau commence à se fermer. L'ultime scène parait anecdotique, commençant par un débat du conseil des boyards sur la façon de tuer le Prétendant. La scène de la mort de Boris parait même peu réaliste, comme si la troupe avait du mal à jouer sur scène.

Vladimir Matorin recevra une quinzaine de bouquets et corbeilles de fleurs, ne sachant qu'en faire et les jetant un à un derrière lui. C'est un grand chanteur que j'ai eu la chance d'écouter, peut être un des plus grands rôles de basse que j'ai pu entendre dans un opéra. Sa voix profonde ne masque cependant pas ses lamentations et son mal être quasiment romantique, comme dans ses plaintes de l'acte II dans ses appartements suivies de l'apparition du spectre de l'enfant qui n'est représenté par rien d'autre que la musique. Même absent de la scène, il est le fil rouge de l'œuvre autour duquel viennent se greffer plusieurs personnages, davantage de spectres lui rappelant ses actions meurtrières.

Grigor, le moine opportuniste, comprend que le peuple a soif de vengeance et de changement et en profite comme l'aurait fait un Napoléon. L'histoire ne nous dit même pas ce qu'il advint de lui par la suite, il sert uniquement de menace invisible pour Boris qui ne le rencontre même pas. Son passage avec Marina dans un élégant jardin d'un élégant palais polonais à l'italienne semble totalement hors sujet. Comme une parenthèse romantique au milieu du folklore russe. C'est l'éternel sujet du décalage de la Russie par rapport au reste de l'Europe. Mais Mussorgsky semble se moquer de ce monde romantique puisqu'il n'est en réalité absolument pas question d'amour entre les deux jeunes gens mais de froids calculs de pouvoir. C'est pourtant un des plus beaux moments de l'oeuvre qui, comme l'opéra français coupé par un ballet de distraction au XIXe, interrompt l'intrigue pour nous proposer un divertissement.

Datant de l'époque soviétique, cette production, qui avait remaniée la partition, met en avant le peuple comme dernier acteur principal de l'oeuvre. En tant que choeur du Bolchoï, les choristes sont rompus au style russe. Ils envahissent la scène et semblent une vraie menace face aux imposants mais solitaires boyards. Leurs chants quasi sacrés montent jusqu'à mon balcon comme des prières.

C'est actuellement les vacances à Moscou, peut être que le Bolchoï a souhaité ressortir cette production pour satisfaire les touristes et les abreuver de grands opéras locaux. Qu'importe, j'ai pu enfin écouter l'un des piliers du répertoire qui défile à travers les âges et réussit à captiver, ce qui représente la magie de l'opéra.

Théâtre Stanislavsky

4 mai 2013

Chorégraphie: Kenneth McMillan

Direction musicale: Timur Zangiev

Rodolphe: Sergei Polunin; Mary Vetsera: Anna Ol; Mitzi Caspar: Natalia Kleymenova; Stéphanie: Anastasia Limenko; Elisabeth: Yulia Belova; Marie Larisch: Anastasia Pershenkova; Bratfisch: Dmitry Zagrebin.

Arrivé fraichement à Moscou, j'apprends que le soir même se dansera Mayerling avec Polunin. Petit retour en arrière pour ceux qui ne le connaissent pas, c'est ce prodige russe qui est devenu le plus jeune Principal du Royal Ballet puis a soudainement décidé de claquer la porte: il refusait de sacrifier sa jeunesse à la danse. Finalement quelques mois plus tard on le retrouve raisonné au Stanislavsky Théâtre de Moscou. En mars dernier, il a apporté la chorégraphie de McMillan, le théâtre devenant alors une des rares maisons à avoir sa propre production de cette oeuvre actuellement dansée à Londres.

Je retrouve dans cette chorégraphie quelques éléments marquants de Manon du même McMillan: le jeu de cartes truqué, la danse bourrée, les danseuses de petite vertu ou encore l'érotisme palpable. Pour la danse, c'est de nouveau l'importance des portés, la complexité et le nombre des pas et la danse qui nous raconte une histoire sans rajouter de fioritures inutiles. Et enfin une dramaturgie qui joue une place prépondérante. Voire trop importante d'ailleurs, l'acte 2 finit par en souffrir.

Ce qui fait la spécificité de Mayerling, c'est que c'est un ballet narratif pour un homme, rarissime dans l'histoire du ballet. Ce n'est plus autour de Giselle, Odile/Odette ou Juliette, mais de Rodolphe que le corps de ballet s'affaire. Nous arrivons donc à un rôle très complexe et demandant pour un soliste, il danse trois actes presque sans quitter la scène. L'énergie et l'endurance de Serguei Polunin permettent une interprétation superbe. Pas un faux pas, pas un essoufflement, un ballon large et impressionnant et de superbes couples qu'il porte au plus haut sommet.

De plus, il se permet de rentrer complètement dans la peau de son personnage, il a l'air fou, complètement narcissique, voire parfois même enfantin. Il joue le rôle de l'archiduc Rodolphe, fils de Francois Joseph et d'Elizabeth d'Autriche. Après s'être marié avec Stéphanie de Belgique, il la néglige rapidement et se tourne vers de vieilles et nouvelles maitresses. Il finira par se suicider avec l'une d'entre elles dans le pavillon de chasse de Mayerling. Sa danse n'a rien de stoïque, de lourd ou d'imposer. Tout lui vient naturellement pour nous raconter une histoire jusqu'à la fin de l'oeuvre.

Les pas de deux sont donc nombreux et prenants, j'en ai compté au moins cinq. Le premier acte est le plus dense. Polunin commence par un solo lors de son mariage qui met déjà la barre haute mais qui ne l'épuise pourtant pas. Un pas avec sa maitresse, mais il retourne finalement dans le lit de Stéphanie qu'il effraiera avec un pistolet. Il est absorbé par l'idée de mort dès le début de la pièce qui ouvre avec son enterrement avant un retour en arrière. Il trainera son pistolet et un crâne, tel Hamlet. Il finira par trouver du répondant chez Marie, la fille d'une amie qui n'aura alors cesse de lui tendre des pistolets pour arriver au double suicide finale.

Pour fermer le clapet aux grands rôles féminins du XIXe, McMillan ne donne une place d'exception à aucune des femmes. On remarque certes Elisabeth qui se taille un solide rôle comme Impératrice et mère. Elle arrive soudainement avec son amant (telle mère, tel fils) pour un pas de deux qui n'est pas bien réussi dans le second acte. Tant pis, elle réussit dans le reste de son rôle à adopter la majesté nécessaire. On remarque aussi les bonnes interprétations de Mitzi Caspar, sorte de Maîtresse de Lescaut version Mayerling dans le cabaret, ou encore de la Comtesse Larisch en maîtresse délaissée. La princesse Stéphanie est tendre et douce comme on l'attend de son rang, elle ne sait pas trop quoi faire ni ou se mettre et semble soudainement passionnée quand elle danse avec son nouveau mari comme découvrant l'amour.

Une constellation de femmes qui entoure donc le jeune Polunin et qui se conclue par Marie, jeune femme à qui on fait croire que le destin la destine au prince. Elle sombrera donc lentement dans son jeu, jusqu'à la mort, après quelques instants torrides. D'est toujours elle qui apportera le pistolet à Rodolphe, comme s'il représentait un objet sexuel ou de jeu. Leur premier pas de deux ensemble est sensuelle mais attendu, le second parait beaucoup plus moderne, violent, macabre également.

Toutes ces femmes se ressemblent et malgré la richesse des costumes, j'ai parfois du mal à les différencier. Ce n'est pas si important, il suffit se comprendre que les femmes se battent pour lui. Elles forment une ronde qui le pousse au plaisir et l'obsède vers la mort.

Il n'est pas le seul homme mais est entouré par quatre superbes danseurs hongrois ainsi que de quelques amis qui m'ont également impressionné par leur vitalité et leur énergie. Et c'est cela qui m'a le plus marqué dans la danse de cette soirée: on approche parfois des acrobaties, mais tout est réussi et coordonné. L'ultime solo peu avant les deux morts semble un cri du coeur de Bratfisch pour rappeler son ami à la raison dans des danses plus folkloriques.

La musique orchestrée à partir d'oeuvres de piano de Liszt n'es pas brillante, j'aime néanmoins le choix d'avoir une vraie chanteuse lors de l'épisode de l'anniversaire de l'empereur. La production est riche avec des décors, des rideaux et des costumes dignes d'une grande maison de danse. En s'appropriant un talent comme Polunin, le Stanislavsky a su se doter d'un danseur bouillonnant qui a encore beaucoup à montrer.

23 avril 2013
Théâtre des Champs Elysées
Direction musicale: Jérémie Rhorer et le Cercle d'Harmonie
Mise en scène: Stéphane Braunschweig
Don Giovanni: Markus Werba; Donna Elvira: Miah Persson; Don Ottavio: Daniel Behle; Donna Anna: Sophie Marin-Degor; Leporello: Robert Gleadow; Zerlina: Serena Malfi; Masetto: Nahuel Di Pierro; Le Commandeur: Steven Humes

 

Décidément, Don Giovanni reste un de mes opéras préférés. De Mozart, je trouve que c'est le plus complet, le mieux proportionné entre l'humour et le sérieux, entre légèreté et noirceur. Jusqu'à cette ultime scène du diner. Leporello et Don Giovanni s'amusent et nous amusent, notamment en jouant quelques airs dont le très connu non piu andrai farfallone amoroso des Noces. La salle s'amuse, et pourtant quelques mesures plus tard et nous voyons la statue du Commandeur lancer Giovanni en enfer. 

Chef d'oeuvre? Indéniablement.

Comme le précise Michel Franck quelques instants avec le lever du rideau, c'est un grand défi pour un théâtre de monter un Don Giovanni. Et le Théâtre des Champs a indéniablement réussi, notamment en s'entourant de chanteurs exceptionnels. 

Leporello est le monstre de cette production, son air du catalogue me garde suspendu dès le début de la pièce. C'est celui qui semble tenir le mieux et sa voix et sa présence sur scène jusqu'à la fin. Il est massif, près de deux mètres et pourtant sert un petit Markus Werba. Ici, Leporello n'est pas, comme chez Haeneke, amoureux de son maitre, mais joue beaucoup plus la carte de l'exaspération véritable. En fait Braunschweig en fait son personnage central, ou plutôt celui qui joue le rôle du spectateur. A l'image de ce dernier, c'est le seul à avoir ce caractère où les impressions se mélangent, à l'inverse des autres personnages plus figés. L'ouverture et nous voyons le corps inanimé de Giovanni près à entrer dans les enfers. Puis Leporello commence à se souvenir et nous revenons en arrière pour vivre la dernière journée du damné. Même dans la mort, Giovanni part séduire deux infirmières, Leporello en devient fou.Il reste le témoin des premières scènes pour nous rappeler que nous vivons dans son souvenir.

Dans cette mise en scène moderne et juste, les excès sont présents: excès de sexe et de femmes, excès de drogue, excès de mort et excès de situations périlleuses. Et surtout la mort qui nous entoure. La scène est très noire, s'assombrissant à travers l'oeuvre, et la lumière, et les costumes. Les premiers actes restent très sages, le manège tourne révélant plusieurs salles. Puis avec l'arrivée du bal, les chanteurs (solistes et choeurs) s'habillent de vêtements XVIIIème, clin d'oeil à Mozart et à l'esprit libertin type Casanova et Liaisons Dangereuses. Les scènes de partouze se succèdent dans différentes salles du palais avant que nous arrivions devant une ultime salle où dans les fenêtres sont encastrées des cadavres de femmes vêtus de robe rouge. La mort est annoncée et entoure déjà ce Barbe Bleue qui n'a pas d'autre choix que de suivre la même voie.

À l'inverse d'Haeneke, Braunschweig ne nous place pas entièrement dans un huis clos. Le manège avec ses trois ou quatre salles est réaménagé à l'entracte, nous mettant dans le palais de Don Giovanni, dans la maison du Commandeur ou encore dans la rue. C'est fait très simplement mais cela fonctionne intelligemment. Les lits sont les principaux éléments de décoration évidemment, placés presque dans chaque pièce pour nous rappeler les activités que Don Giovanni décrit plus qu'importantes que l'air qu'il respire ou que du pain qu'il mange. 

En voyant Werba, on croit vraiment voir un Don Giovanni dans sa veste blanche cintré au dessus d'un t-shirt évasé un peu moulant et avec ses cheveux plaqués en arrière. Comme dit ma voisine qui me chipe mes jumelles "il n'y a que des beaux gosses sur scène!" Et en effet ce personnage fait très séduisant jeune homme puissant. Tout qui attire finalement Zerlina qui cherche mieux que son Masetto trop commun. Tout ce qui attire cette Elvira qui ne réussit pas à se détacher de son magnétisme. Ou encore cette Anna trop coincée dans ses conventions sociales et sent attirer par ce marginal.

Lors de mon dernier Don Giovanni, les trois femmes ne rivalisaient guère. Véronique Gens ressortait du trio et Petibon brillait comme soprano mais peu en actrice. Ici même Zerlina, personnage dont je n'avais pourtant pas un souvenir ému, m'a beaucoup impressionné surtout dans la seconde partie. Même de caractère, les Donne sont bien choisies. Lors de la séance de travail à laquelle j'avais assisté, Miah Persson n'hésitait pas à demander que l'on change quelques mouvements qui n'allaient pas. Elle s'imposait, et elle m'a complètement emballé, sa voix est d'un très beau ton, ni trop fragile ni trop show. En face, Sophie Marin-Degor semblait légèrement plus timide dans l'ensemble, s'imposant de temps en temps. Et c'est tout à fait le rôle de Donna Anna. On ne devine pas le coffre qu'elle cache en réalité, et qui permet d'entendre une voix d'une clarté saisissante.

En face, Octavio réalise très bien le rôle en retrait qui ne comprend pas ce qui se passe ou si peu et ne comprend pas pourquoi il ne peut pas faire comme tous les autres membres de sa caste et épouser une riche héritière. Lors de son air du deuxième acte, je le découvre, un peu trop tard finalement. Masetto me plait aussi, mais semble décidément bien effacé par le reste du casting. Je note toutefois pour lui comme pour les autres un très bon jeu d’acteur. Braunschweig vient du théâtre et importe ses capacités pour former ses chanteurs.

Je finis ce casting par le Commandeur de Steven Humes, rôle un peu ingrat, quelques notes au début, puis un final prenant qui nous saisit. Sa noirceur semble durer pour des éternités. Lorsqu’il condamne Don Giovanni à mourir avant l’aube, j’ai l’impression que sa voix est très sonorisée, pour durer aussi longtemps. Et puis non, je continue à me dire que cela aurait pu être possible. Toute la scène du dîner de pierre est réellement prenante, Pentiti ! No !

Me voilà ravi à la sortie de ce spectacle, j’ai hâte de réentendre Rhorer la saison prochaine au TCE ainsi que la semaine prochaine dans le Requiem de Mozart.